Las 10 exposiciones de museo más interesantes de 2024

Todas tenían algo en común: la sorpresa.

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La clave para montar una buena exposición en un museo es hacer que el espectador reconsidere todo lo que creía saber.
Por James Tarmy
31 de diciembre, 2024 | 07:00 PM

Bloomberg — Nadie pone un pie en una exposición de arte con la mente completamente abierta. Siempre hay ideas preconcebidas, expectativas o dudas.

La clave para montar una buena exposición en un museo -y lo que unifica a las más interesantes que vimos en 2024- es hacer que el espectador reconsidere todo lo que creía saber. No importa si la obra tiene mil años o se hizo la semana pasada; y es irrelevante si el visitante se cree un experto en el tema o se acerca a él como un completo ingenuo. Siempre existe la oportunidad de reescribir un relato histórico del arte o de reintroducir a un artista muy querido (o aborrecido).

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Eche un vistazo a las exposiciones que mejor lo hicieron a continuación, varias de las cuales siguen en cartelera:

Steve McQueen: Bajo

Hasta el 26 de mayo en Dia Beacon

McQueen es más conocido por sus películas, tanto artísticas (ganó el prestigioso Premio Turner, concedido a artistas británicos, en 1999) como comerciales (14 años después, ganó el Oscar a la mejor película con 12 años de esclavitud. Así que esta enorme instalación de luz y sonido en el sótano de Dia, de 30.000 pies cuadrados, es por tanto una especie de desviación: no hay imágenes ni proyecciones de ningún tipo. En su lugar, los visitantes son bañados por un espectro de luz que cambia gradualmente, mientras una banda sonora de instrumentos de bajo sirve de acompañamiento sutil y cambiante. La palabra “inmersivo” se utiliza mucho, la mayoría de las veces de forma incorrecta, pero aquí McQueen ha creado una experiencia sensorial de cuerpo entero que aumenta la conciencia del espacio y el movimiento de los visitantes.

Olga de Amaral

Hasta el 16 de marzo en la Fundación Cartier de París

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No se preocupe si no ha oído hablar de Amaral, una nonagenaria artista textil colombiana. A pesar de estar representada por la prestigiosa galería internacional Lisson, no estaba precisamente en la punta de la lengua del mundo del arte contemporáneo, al menos no hasta la inauguración de esta retrospectiva. Ahora, por supuesto, eso ha cambiado, gracias a su asombrosa inventiva: utilizando hilo y pintura y, ocasionalmente, pan de oro, crea tapices abstractos y coloridos, tótems e instalaciones que juegan con el lenguaje del modernismo del siglo XX y lo amplían. La nombré la mejor exposición del año.

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Siena: El auge de la pintura, 1300-1350

Hasta el 26 de enero en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

Ésta era la exposición más esperada de la temporada de otoño. Aun así, de algún modo consiguió superar las expectativas. La premisa es sencilla: utilizando técnicas visuales y técnicas revolucionarias, un pequeño grupo de artistas de Siena, Italia, plantó las semillas del Alto Renacimiento, que creció en Florencia medio siglo después. Es el deslumbrante virtuosismo de los propios artistas y los sorprendentes préstamos que el Met consiguió obtener -incluido un imponente retablo de Pietro Lorenzetti, cedido por la ciudad toscana de Arezzo- lo que asegura el lugar de esta exposición en los libros de historia.

Caillebotte: Pintando hombres

Hasta el 19 de enero en el Museo de Orsay de París

Gustave Caillebotte es uno de esos pintores que uno cree conocer por dentro y por fuera. Ciertamente, su imagen de un lluvioso paisaje callejero parisino en el Instituto de Arte de Chicago es de lo más famoso que hay. Pero aquí hay joyas ocultas, muchas de ellas prestadas por colecciones privadas, que serán una verdadera y deliciosa sorpresa. La sala repleta de escenas al aire libre fue un éxito particular, pero también lo fueron los retratos informales que salpican toda la exposición. Los críticos franceses han olfateado la insinuación de la exposición de que los retratos son una prueba de la homosexualidad del soltero comprometido, pero el subtexto inherente a los relucientes desnudos y a las representaciones de la acogedora intimidad masculina es secundario frente al poder y la belleza de los propios cuadros.

La era atómica: Artistas puestos a prueba por la Historia

Hasta el 9 de febrero en el Museo de Arte Moderno de París

Es muy difícil llevar a cabo grandes exposiciones temáticas; a menudo, las obras de arte reclutadas para hacer el trabajo pesado acaban cayendo en saco roto (¿Ese cuadro trata realmente sobre el yo en la sociedad? ¿O es solo un bonito paisaje? Etc. etc.) Por eso resulta especialmente impresionante ver que una gran exposición como ésta pega el aterrizaje. Resulta que la era del átomo es una rica veta artística que explotar. Dividida en temas -representaciones artísticas de la materia, la bomba atómica, la nuclearización del mundo- la exposición utiliza magníficas obras de estrellas como Francis Bacon, László Moholy-Nagy y Hilma af Klint, prestadas por instituciones tan dispares como el MoMA de Nueva York y el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio.

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Lumen: El arte y la ciencia de la luz

Esta encantadora exposición histórica formaba parte de PST ART, una enorme serie de exposiciones de 70 instituciones del sur de California dedicada a la colisión del arte y la ciencia. Centrada en la llamada Larga Edad Media, (800-1600 E.C.) pero incluyendo también algunas piezas contemporáneas, la muestra del Getty trataba ostensiblemente de cómo los eruditos, filósofos y artistas entendían y expresaban la ciencia de la luz. Más que eso, daba fe de la sofisticación y complejidad de la comprensión cristiana, judía y musulmana del mundo natural. Desde astrolabios milenarios delicadamente labrados (un modelo del cielo nocturno utilizado a menudo para la navegación) hasta un modelo de ojo de plata y cristal fabricado antes de 1700, los numerosos tesoros y rarezas de valor incalculable de la exposición contaban una historia muy compleja de una forma muy (perdónenme) lúcida.

Pierre Huyghe: Liminal

La mayoría de las exposiciones en Venecia tienen una inevitable interacción entre la ciudad y el tema: Los cuadros se cuelgan en palazzos bajo ornamentados techos con frescos; las fundaciones añadirán obras contemporáneas en medio de sus fondos renacentistas. Pero en esta antigua aduana, cuya renovación en 2009 a cargo del arquitecto Tadao Ando fue encargada por el multimillonario François Pinault, Venecia está fuera de la vista y de la mente. Los visitantes se adentraron en el mundo de Huyghe -tan tenue que necesitabas una linterna para caminar por él-, donde las salas mostraban varios de sus inquietantes y extrañamente convincentes vídeos y esculturas, que lidian con la incómoda relación de la humanidad con la tecnología.

Bonnard-Matisse, una amistad

Encaramada en una ladera del sur de Francia, la Fundación Maeght es posiblemente la fundación privada más hermosa del mundo; y la ampliación de su edificio diseñado por Josep Lluís Sert, finalizada este año, ha sido sin duda la más sutil de cuantas se recuerdan. (Las nuevas galerías, excavadas en la ladera, dejan el edificio original aparentemente intacto). Para celebrar la finalización del proyecto y conmemorar su 60 aniversario, la fundación organizó una amplia exposición de obras de arte que destacaba el diálogo entre Henri Matisse y Pierre Bonnard, una relación que la exposición calificó de “amistosa y respetuosa”.

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Dan Flavin: Dedicatorias en luces

En teoría, Flavin, fallecido en 1996, era un minimalista que utilizaba sus características luces de neón para crear esculturas austeras (aunque coloridas). Sin embargo, en la práctica, como demostró esta gran exposición, su arte llena una sala como ninguna otra. En un giro refrescante, no se trataba de una mera retrospectiva; los comisarios eligieron piezas que Flavin realizó explícitamente en referencia a otros artistas, personas y acontecimientos. Hay esculturas dedicadas a su colega Donald Judd; otra obra está dedicada al candidato presidencial demócrata George McGovern; y, quizá lo más conmovedor, un pasillo incluye una hermosa obra verde y fluorescente dedicada a su querido golden retriever.

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Paisajes de Klimt

Gustav Klimt es conocido por su “estilo dorado” arremolinado y altamente decorativo, que alcanzó su discutible cúspide con su obra de 1907, que forma parte de la colección de la Neue Galerie. Pero, como demostró esta exposición agradablemente compacta, sus paisajes merecen su propio lugar bajo el sol. Si bien es cierto que carecían del glamour y la ostentación de los retratos, las obras expuestas eran encantadoras cacofonías de color que evocaban la quietud y la belleza del verano en el campo.

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